Diosiderio, por Fabian Casas

Diosiderio
por Fabián Casas

En el 83 entré en Filosofía. El examen de ingreso se dividía en epistemología y lógica. Cursábamos unas semanas durante el fin del verano y después rendíamos. Aprobamos casi todos. Ya en la facultad, me sentía solo: eran nuevos los compañeros, la forma en que se estudiaba cada materia y el ambiente enfervorizado de los pasillos repletos de consignas políticas. También había muchas chicas hermosas. Silvio Rodríguez reinaba a todo lo ancho y lo largo del edificio de la calle Charcas.
Una tarde, entre dos materias, bajé a tomar un café en el bar que estaba en el subsuelo. Era un avispero de gente. Sin embargo, me quedé mirando a un joven muy delgado, con el pelo corto, que hacía una extraña mímica que tenía fascinados a sus compañeros de mesa. Movía las dos manos dando a entender que construía un recuadro inmenso, después hacía que serruchaba los bordes de ese recuadro. Esto lo repetía varias veces hasta que ese recuadro quedaba de un tamaño minúsculo, lo pesaba sobre su mano y, acto seguido, lo arrojaba sobre la tacita de café que estaba delante suyo. Tomaba la cucharita -esta sí real, al igual que la tacita- y revolvía el café. Sus compañeros de mesa se reían.
En los cursos de filosofía antigua teníamos a un bromista que, aprovechando la sordera del ayudante de prácticos, le preguntaba desde el fondo con la boca tapada por una bufanda: "Profesor, Erútodo de Albóndiga, ¿qué resto material de escritura dejó?" A veces cambiaba el nombre del filósofo presocrático y decía: "Profesor, Yogurth de Macedonia...". Todos nos reíamos. Teníamos un compañero que militaba en el Mas y que se paraba a discurrir de manera compulsiva en las clases de Introducción a la Filosofía. Esta cualidad es casi una característica de los alumnos de esta carrera. Se supone que uno va a filosofía a hablar, a discutir, a darle rienda suelta a la vía peripatética. El muchacho en cuestión usaba una boina negra que no se sacaba dentro del aula. Y tenía rulos negros y largos que salían por los costados. Siempre terminaba sus alocuciones con una frase que me parecía genial: "Porque usted sabe, profesor, que en la edad media los árboles eran ninfas". Había otro, un poco más grande en edad, que levantaba la mano para hablar y antes de hacerlo decía: "Me gustaría, antes de hablar sobre este tema en cuestión, hacer un pequeño introito".
Cuando empecé a cursar metafísica en la cátedra de Carpio me tocó sentarme con el mimo del terrón de azúcar invisible. Se llamaba Juan Desiderio e iba a ser uno de esos amigos clave que tenemos en la vida. Algunos cumplen -cumplimos- la función de ser testigos, otros la de ser mentores e impulsores de nuestros amigos. Otros somos sus dobles o sus antagonistas futuros. El joven Desiderio era como una canción de Spinetta: fresca, demencial, surrealista e imprevisible en su ejecución. No sé porque motivo para mí la palabra Horacio remite a un pedazo de cuero, otro gran amigo, Alejandro Caravario, suele decir que a él la palabra Roberto le trae la imagen de postigos antiguos. El significante de Desiderio es la palabra flash. Creo que es la que más repite desde que lo conozco: el tema tal lo "flashea", los poemas de Ginsberg le parecieron un "flash", una mujer lo "hiperflasheeo" y uno de los innumerables grupos de rock que fundó en su vida se llama "Cardioflash". También tocó el bajo, cantó o fue guitarra líder de Aguante de Cancha y Hippie Rabioso, dos grupos efímeros que circularon por pequeños locales de Corrientes. Escribió también varios libros de poesía: La Trilogía Sacra, Tos y la ya famosa "Zanjita" que tanto influenció en buena parte de los poetas que empezaron a escribir a mediados de los 90.
Desiderio es un surrealista trasnochado, un neo hippie y un Larkin melenudo y fumeta, ya que al igual que el inglés conservador, es empleado de una pequeña biblioteca que dirige en Parque Chacabuco. Para los que no lo conozcan físicamente, se lo podría describir con cierto aire a Capusotto, pero con un estilo más rocker: sin duda no desentonaría en ninguno de esos posters extraordinarios de The Mothers of invention, la gran banda de Frank Zappa. Siempre me llamó la atención Desiderio no solo por su fantasía desbocada -sistemáticamente desbocada- sino por su gran corazón. Considero a la bondad como un don superior que sólo muy pocos pueden esgrimir. Entiendo por bondad como una natural disposición a perderse en el otro, a ayudar a los demás por encima de nuestra importancia personal. Existe la vocación de poder y la vocación de servicio. La vocación de servicio es la que nos vuelve invulnerables. Recuerdo que la primera versión de mi primer libro de poemas estaba dedicada a "Juan Desiderio, quien recibe señales telepáticas de la belleza y cuyo corazón jamás emite órdenes". Era una dedicatoria bien beatnik, en línea con otra de las características desiderianas: el camino zen o budista, el keroackismo beat.
Desiderio se fue de la facultad misteriosamente y varios meses después me lo encontré en la Plaza Houssey con una túnica blanca y repartiendo volantes con los poemas de Almafuerte. Estaba apelando al desorden de los sentidos. Después se enamoró de una chica y se fue a vivir una temporada a Costa Rica, yo me quedé en su departamento y recibía, cada varias semanas, unas cartas geniales que parecían escritas por Artaud. Pasaron los años y lo dejé de ver durante mucho tiempo pero siempre teniendo noticias suyas que llegaban a través de otras personas. Hace poco recibí un mail donde me decía que nos podíamos juntar a cenar. Nos juntamos. Estaba en gran forma, más desideriano que nunca. Ni bien se sentó me dijo "Qué flash lo de la gripe porcina!", riéndose. Creo que pensaba, como Artaud en el comienzo del Teatro y su doble, en el poder creativo de la peste. A la mitad de la botella de vino me informó que estaba estudiando Taoísmo con unos chinos a los que conoció comprando comida china en una rotisería. Me dijo que había muchos chinos haciendo esto en varias rotiserías del país y que era ahí donde ellos reclutaban a sus discípulos. Me acordé que hace una semana se había abierto una rotisería china a dos cuadras de casa.
A los postres se puso a relatar la historia de Armand Binoche a quién conoció en la biblioteca en donde trabaja y que estaba viviendo en una casa abandonada, casi como un mendigo. Sin embargo, el tipo era un gran lector y hermano de Juliette Binoche, la actriz francesa. Desiderio lo invitó a vivir a su casa y Armand Binoche terminó conquistando a todos sus amigos con su proverbial simpatía. Armand Binoche también era modelo y actor y le dijo a Desiderio que pensaba viajar al extranjero para retomar su carrera. Lo raro es que pese a su indingencia crónica, siempre tenía plata para sus gastos y se encerraba en su pieza a escribir un libro. En un momento, Armand Binoche organizó una serie de fotos en un estudio -que pagó él- para volver a modelar. Pero le exigió a la fotógrafa que le entregara todas las fotos que había sacado. Así que nadie tiene fotos de Armand Binoche. Una mañana le propuso a Desiderio comprar la casa en la que vivían a medias. Desiderio lo pensó y aceptó. Pusieron un día en el que iban a encontrarse para cerrar el trato. El día indicado Armand Binoche -que ya vivía hace meses en la casa de Desiderio- tenía que pasarlo a buscar por la biblioteca para hacer la operación inmobiliaria. Pero nunca llegó. Tampoco estaba en la casa, de donde desapareció. Aunque era pobre, dejó toda su ropa. Lo único que se llevó fueron los cuadernos donde escribía. A la semana, al correo de Juan llegó un mail de una mujer que decía ser la representante europea de Armand Binoche. El mail decía "lamento informarles que Armand Binoche murió en la calle de un paro cardíaco". Un buen cierre de un demiurgo consumado. Pero algo quedó. Desiderio grabó unas conversaciones que sostuvieron sobre metafísica, política y actuación. Me dijo que las piensa desgrabar y publicar.

Enviado por Marina Tejón.

"Contraflor al resto", Chango Farias Gomez, 1982

Volvemos sobre un personaje clave de la Música Popular Argentina, que mucho hemos hablado en la Pata Maldita: el Chango Farías Gómez. Creador del Grupo Vocal Argentino, y de los Huanca Huá durante los años sesenta, de MPA en los ochenta, y de distintos ensambles musicales que fueron hitos en la historia del "folklore de proyección" en Argentina. Llamamos así a aquel movimiento folklórico de los años 60, 70 y 80, que buscó abandonar las derivaciones comerciales del folklore "argentinisimo", y reencontrarse con las raíces tradicionales aunque a veces, paradojicamente, incursionaba en la fusión con arreglos y armonias muy complejas. En el caso del Chango buena parte de sus intentos concluyeron en un exitoso confluir de géneros, donde se rescató el espíritu tradicional del folklore argentino (que, aclaramos, proviene de Atahualpa Yupanqui, y no del Puma Rodriguez como piensan algunos músicos que se escuchan ahora...).

Este disco de 1982 grabado en colaboración con su hermana Marián y Manolo Juarez, es casi su primer disco solista e incluye clásicos como la "Zamba del carnaval" y "Maturana" (del Cuchi Leguizamón) que darían que hablar en los años siguientes. De hecho, este disco ayudó mucho para que esas zambas se hicieran clásicos. Maturana, por ejemplo, fue grabada más tarde por León Gieco en la segunda parte de "De Ushuaia a La Quiaca". También suma una nueva versión de la "Chacarera de un triste" (Hnos Simón), una figurita repetida aunque siempre bienvenida, en la discografía de los hermanos Farías Gómez.

Una anécdota jugosa que cuenta el Chango e incluye en su último CD: "Chango sin arreglo" (2003): "En el verano de 1983 estábamos con mi hermana Marián y Manolo Juárez en Mar del Plata presentando "Contraflor al resto". Mi hermana se lo había encontrado esa tarde a Don Ata y lo invitó al show, al que asistió. Después de la función, nos invitó a Marian y a mí a comer puchero a un conocido restaurante. Nosotros lo concoíamos desde nuestra infancia. Y aunque había presenciado el espectáculo, con todo lo que eso significa, no le exigimos una opinión sobre lo que había visto. Entonces él, como para cerrar el tema y observando que yo le ponía mostaza al puchero,hizo este comentario: "M`hijito, lo que pasa es que ustedes, los Farías Gomez, son los únicos capaces de ponerle mostaza al asado y que no se pierda el gusto...".

Esta grabación estuvo muchos años sin ser reeditada, por lo que le pedimos a nuestro Equipo de Investigaciones que buscará el LP original. El objetivo se logró hace diez años atrás, cuando se encontró este vinilo en una cueva oscura de una galería porteña. La bajada a cd estuvo cargo del Departamento de Digitalizaciones de La Pata Maldita. Que lo disfruten.

Temas

01 - Aquel Indio - Iutito
02 - Zamba Del Carnaval
03 - Primeros Arraigos
04 - Maria Va
05 - Chacarera De Un Triste
06 - Zamba De Vargas
07 - Zamba De Lozano
08 - Ese Manuel De Los Simples - Maturana
09 - La Humilde
10 - Irrenunciable Vocacion - Como La Cigarra

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"Solo en Mondsee", Paul Bley

Tomamos de la página Tomajazz.com esta crítica que compartimos plenamente.

"Es difícil hablar de Paul Bley y no caer en los tópicos: genio, innovador, único…. Pero es que todas las alabanzas que se le puedan hacer, se las ha ido ganando a pulso en sus más de 50 años de carrera.

Es más difícil aun definir musicalmente a Paul Bley porque lo que hace él es y no es jazz , es y no es free jazz (entendidos ambos de una manera canónica), y tampoco es improvisación libre. Aunque su música tiene elementos de los tres estilos mencionados, y ha sido pionero en todos ellos con su aportación personal, su música es auténticamente original, única y poderosa, la música de un auténtico innovador. Técnicamente y artísticamente es único y posee un sonido absolutamente reconocible, como todos los grandes maestros. Paul Bley lo hace todo como un genio, elegantemente, exquisitamente. Incluso cuando se equivoca, se equivoca de manera brillante.

Paul Bley ha cambiado, si no la historia del jazz, ciertamente la manera de entender y tocar el piano. Bley es el rey absoluto de la improvisación al piano, el que lo ha abierto a la infinitud de direcciones y facetas que posee actualmente. Ha sido y es el ejemplo donde mirarse para varias generaciones de pianistas. Todo lo que hacen los pianistas surgidos después de él, él ya lo había hecho con anterioridad. Tanto es así que se puede reconocer la influencia de Paul Bley incluso en pianistas que no lo conocen y que ni tan siquiera han oído hablar de él.

Como explorador infatigable, no hay ninguna faceta del piano que él no haya descubierto o inventado. Ha abierto puertas que dan a nuevos espacios, espacios que más tarde otros han explotado en profundidad y minuciosidad. Pero es que Paul Bley no está interesado en la taxonomía sino en el descubrimiento de nuevos territorios vírgenes, como un auténtico aventurero que es. Salvando las distancias, en esto se parece al compositor norteamericano John Cage cuando decía que él no era compositor sino "inventor" de música. Igualmente, Paul Bley no es un compositor/pianista de jazz al uso, sino un prolífico inventor de variantes alternativas. En este sentido, y observado desde fuera, su mínima máxima parecería ser: "¿Y si...?". Bley siempre tiene una idea diferente, un enfoque original, a partir de cualquier tema, por banal que pudiera parecer y casi nunca lo son.

Desde su colaboración con Charlie Parker a principios de los cincuenta, pasando por Ornette Coleman a finales de esa década, antes de que fuera el Ornette conocido, hasta sus aportaciones al quarteto de Sonny Rollins en su etapa más fiera y cruda de los sesenta. Desde Open, to Love, su primer disco de piano solo, hasta el último Solo in Mondsee la historia de Paul Bley es una aventura constante y que no tiene parangón en la historia del jazz.

Si se le quiere apreciar cabalmente, donde mejor se puede disfrutar de Paul Bley es en la formación de trío, cualquiera de sus tríos, de cualquier época. Desde el primero con Charles Mingus y Art Blakey en 1953, hasta Time will tell con Barre Philips y Evan Parker (1994) pasando por el mítico trío con Steve Swallow y Jimmy Giuffre de 1961. Ahí es donde, a mi entender, queda mejor plasmada su trayectoria, su visión y originalidad.

Escuchar a Paul Bley es una lección continua, un aprendizaje sin parar. Cualquier tema suyo es una lección integral de técnica, estética, improvisación, reflejos, soluciones perfectas, opciones alternativas, originalidad y visión. En este sentido, cada disco suyo es una emocionante aventura, más o menos lograda, pero aventura al fin y al cabo.

Gracias, Paul, por existir, y por hacer posible que existamos los demás".

Mondsee Variations I
Mondsee Variations II
Mondsee Variations III
Mondsee Variations IV
Mondsee Variations V
Mondsee Variations VI
Mondsee Variations VII
Mondsee Variations VIII
Mondsee Variations IX
Mondsee Variations X

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La máscara de la muerte roja

No se porqué, pero en estos días de pánico en las calles por la pandemia, no pude dejar de pensar en "La máscara de la muerte roja", aquel extraordinario cuento de Edgar Allan Poe.

Si no lo leyeron, o ya lo olvidaron, acá está en versión completa:

"La "Muerte Roja" había devastado el país durante largo tiempo. Jamás una peste había sido tan fatal y tan espantosa. La sangre era encarnación y su sello: el rojo y el horror de la sangre. Comenzaba con agudos dolores, un vértigo repentino, y luego los poros sangraban y sobrevenía la muerte. Las manchas escarlata en el cuerpo y la cara de la víctima eran el bando de la peste, que la aislaba de toda ayuda y de toda simpatía, y la invasión, progreso y fin de la enfermedad se cumplían en media hora.
Pero el príncipe Próspero era feliz, intrépido y sagaz. Cuando sus dominios quedaron semidespoblados llamó a su lado a mil caballeros y damas de su corte, y se retiró con ellos al seguro encierro de una de sus abadías fortificadas. Era ésta de amplia y magnífica construcción y había sido creada por el excéntrico aunque majestuoso gusto del príncipe. Una sólida y altísima muralla la circundaba. Las puertas de la muralla eran de hierro. Una vez adentro, los cortesanos trajeron fraguas y pesados martillos y soldaron los cerrojos. Habían resuelto no dejar ninguna vía de ingreso o de salida a los súbitos impulsos de la desesperación o del frenesí. La abadía estaba ampliamente aprovisionada. Con precauciones semejantes, los cortesanos podían desafiar el contagio. Que el mundo exterior se las arreglara por su cuenta; entretanto era una locura afligirse. El príncipe había reunido todo lo necesario para los placeres. Había bufones, improvisadores, bailarines y músicos; había hermosura y vino. Todo eso y la seguridad estaban del lado de adentro. Afuera estaba la Muerte Roja.
Al cumplirse el quinto o sexto mes de su reclusión, y cuando la peste hacía los más terribles estragos, el príncipe Próspero ofreció a sus mil amigos un baile de máscaras de la más insólita magnificencia.
Aquella mascarada era un cuadro voluptuoso, pero permitan que antes les describa los salones donde se celebraba. Eran siete -una serie imperial de estancias-. En la mayoría de los palacios, la sucesión de salones forma una larga galería en línea recta, pues las dobles puertas se abren hasta adosarse a las paredes, permitiendo que la vista alcance la totalidad de la galería. Pero aquí se trataba de algo muy distinto, como cabía esperar del amor del príncipe por lo extraño. Las estancias se hallaban dispuestas con tal irregularidad que la visión no podía abarcar más de una a la vez. Cada veinte o treinta metros había un brusco recodo, y en cada uno nacía un nuevo efecto. A derecha e izquierda, en mitad de la pared, una alta y estrecha ventana gótica daba a un corredor cerrado que seguía el contorno de la serie de salones. Las ventanas tenían vitrales cuya coloración variaba con el tono dominante de la decoración del aposento. Si, por ejemplo, la cámara de la extremidad oriental tenía tapicerías azules, vívidamente azules eran sus ventanas. La segunda estancia ostentaba tapicerías y ornamentos purpúreos, y aquí los vitrales eran púrpura. La tercera era enteramente verde, y lo mismo los cristales. La cuarta había sido decorada e iluminada con tono naranja; la quinta, con blanco; la sexta, con violeta. El séptimo aposento aparecía completamente cubierto de colgaduras de terciopelo negro, que abarcaban el techo y la paredes, cayendo en pliegues sobre una alfombra del mismo material y tonalidad. Pero en esta cámara el color de las ventanas no correspondía a la decoración. Los cristales eran escarlata, tenían un color de sangre.
A pesar de la profusión de ornamentos de oro que aparecían aquí y allá o colgaban de los techos, en aquellas siete estancias no había lámparas ni candelabros. Las cámaras no estaban iluminadas con bujías o arañas. Pero en los corredores paralelos a la galería, y opuestos a cada ventana, se alzaban pesados trípodes que sostenían un ígneo brasero cuyos rayos se proyectaban a través de los cristales teñidos e iluminaban brillantemente cada estancia. Producían en esa forma multitud de resplandores tan vivos como fantásticos. Pero en la cámara del poniente, la cámara negra, el fuego que a través de los cristales de color de sangre se derramaba sobre las sombrías colgaduras, producía un efecto terriblemente siniestro, y daba una coloración tan extraña a los rostros de quienes penetraban en ella, que pocos eran lo bastante audaces para poner allí los pies. En este aposento, contra la pared del poniente, se apoyaba un gigantesco reloj de ébano. Su péndulo se balanceaba con un resonar sordo, pesado, monótono; y cuando el minutero había completado su circuito y la hora iba a sonar, de las entrañas de bronce del mecanismo nacía un tañido claro y resonante, lleno de música; mas su tono y su énfasis eran tales que, a cada hora, los músicos de la orquesta se veían obligados a interrumpir momentáneamente su ejecución para escuchar el sonido, y las parejas danzantes cesaban por fuerza sus evoluciones; durante un momento, en aquella alegre sociedad reinaba el desconcierto; y, mientras aún resonaban los tañidos del reloj, era posible observar que los más atolondrados palidecían y los de más edad y reflexión se pasaban la mano por la frente, como si se entregaran a una confusa meditación o a un ensueño. Pero apenas los ecos cesaban del todo, livianas risas nacían en la asamblea; los músicos se miraban entre sí, como sonriendo de su insensata nerviosidad, mientras se prometían en voz baja que el siguiente tañido del reloj no provocaría en ellos una emoción semejante. Mas, al cabo de sesenta y tres mil seiscientos segundos del Tiempo que huye, el reloj daba otra vez la hora, y otra vez nacían el desconcierto, el temblor y la meditación.
Pese a ello, la fiesta era alegre y magnífica. El príncipe tenía gustos singulares. Sus ojos se mostraban especialmente sensibles a los colores y sus efectos. Desdeñaba los caprichos de la mera moda. Sus planes eran audaces y ardientes, sus concepciones brillaban con bárbaro esplendor. Algunos podrían haber creído que estaba loco. Sus cortesanos sentían que no era así. Era necesario oírlo, verlo y tocarlo para tener la seguridad de que no lo estaba. El príncipe se había ocupado personalmente de gran parte de la decoración de las siete salas destinadas a la gran fiesta, su gusto había guiado la elección de los disfraces.
Grotescos eran éstos, a no dudarlo. Reinaba en ellos el brillo, el esplendor, lo picante y lo fantasmagórico. Veíanse figuras de arabesco, con siluetas y atuendos incongruentes, veíanse fantasías delirantes, como las que aman los locos. En verdad, en aquellas siete cámaras se movía, de un lado a otro, una multitud de sueños. Y aquellos sueños se contorsionaban en todas partes, cambiando de color al pasar por los aposentos, y haciendo que la extraña música de la orquesta pareciera el eco de sus pasos.
Mas otra vez tañe el reloj que se alza en el aposento de terciopelo. Por un momento todo queda inmóvil; todo es silencio, salvo la voz del reloj. Los sueños están helados, rígidos en sus posturas. Pero los ecos del tañido se pierden -apenas han durado un instante- y una risa ligera, a medias sofocada, flota tras ellos en su fuga. Otra vez crece la música, viven los sueños, contorsionándose al pasar por las ventanas, por las cuales irrumpen los rayos de los trípodes. Mas en la cámara que da al oeste ninguna máscara se aventura, pues la noche avanza y una luz más roja se filtra por los cristales de color de sangre; aterradora es la tiniebla de las colgaduras negras; y, para aquél cuyo pie se pose en la sombría alfombra, brota del reloj de ébano un ahogado resonar mucho más solemne que los que alcanzan a oír las máscaras entregadas a la lejana alegría de las otras estancias.
Congregábase densa multitud en estas últimas, donde afiebradamente latía el corazón de la vida. Continuaba la fiesta en su torbellino hasta el momento en que comenzaron a oírse los tañidos del reloj anunciando la medianoche. Calló entonces la música, como ya he dicho, y las evoluciones de los que bailaban se interrumpieron; y como antes, se produjo en todo una cesacion angustiosa. Mas esta vez el reloj debía tañer doce campanadas, y quizá por eso ocurrió que los pensamientos invadieron en mayor número las meditaciones de aquellos que reflexionaban entre la multitud entregada a la fiesta. Y quizá también por eso ocurrió que, antes de que los últimos ecos del carrillón se hubieran hundido en el silencio, muchos de los concurrentes tuvieron tiempo para advertir la presencia de una figura enmascarada que hasta entonces no había llamado la atención de nadie. Y, habiendo corrido en un susurro la noticia de aquella nueva presencia, alzóse al final un rumor que expresaba desaprobación, sorpresa y, finalmente, espanto, horror y repugnancia. En una asamblea de fantasmas como la que acabo de describir es de imaginar que una aparición ordinaria no hubiera provocado semejante conmoción. El desenfreno de aquella mascarada no tenía límites, pero la figura en cuestión lo ultrapasaba e iba incluso más allá de lo que el liberal criterio del príncipe toleraba. En el corazón de los más temerarios hay cuerdas que no pueden tocarse sin emoción. Aún el más relajado de los seres, para quien la vida y la muerte son igualmente un juego, sabe que hay cosas con las cuales no se puede jugar. Los concurrentes parecían sentir en lo más hondo que el traje y la apariencia del desconocido no revelaban ni ingenio ni decoro. Su figura, alta y flaca, estaba envuelta de la cabeza a los pies en una mortaja. La máscara que ocultaba el rostro se parecía de tal manera al semblante de un cadáver ya rígido, que el escrutinio más detallado se habría visto en dificultades para descubrir el engaño. Cierto, aquella frenética concurrencia podía tolerar, si no aprobar, semejante disfraz. Pero el enmascarado se había atrevido a asumir las apariencias de la Muerte Roja. Su mortaja estaba salpicada de sangre, y su amplia frente, así como el rostro, aparecían manchados por el horror escarlata.
Cuando los ojos del príncipe Próspero cayeron sobre la espectral imagen (que ahora, con un movimiento lento y solemne como para dar relieve a su papel, se paseaba entre los bailarines), convulsionóse en el primer momento con un estremecimiento de terror o de disgusto; pero inmediatamente su frente enrojeció de rabia.
-¿Quién se atreve -preguntó, con voz ronca, a los cortesanos que lo rodeaban-, quién se atreve a insultarnos con esta burla blasfematoria? ¡Apodérense de él y desenmascárenlo, para que sepamos a quién vamos a ahorcar al alba en las almenas!
Al pronunciar estas palabras, el príncipe Próspero se hallaba en el aposento del este, el aposento azul. Sus acentos resonaron alta y claramente en las siete estancias, pues el príncipe era hombre temerario y robusto, y la música acababa de cesar a una señal de su mano.
Con un grupo de pálidos cortesanos a su lado hallábase el príncipe en el aposento azul. Apenas hubo hablado, los presentes hicieron un movimiento en dirección al intruso, quien, en ese instante, se hallaba a su alcance y se acercaba al príncipe con paso sereno y cuidadoso. Mas la indecible aprensión que la insana apariencia de enmascarado había producido en los cortesanos impidió que nadie alzara la mano para detenerlo; y así, sin impedimentos, pasó éste a un metro del príncipe, y, mientras la vasta concurrencia retrocedía en un solo impulso hasta pegarse a las paredes, siguió andando ininterrumpidamente pero con el mismo y solemne paso que desde el principio lo había distinguido. Y de la cámara azul pasó la púrpura, de la púrpura a la verde, de la verde a la anaranjada, desde ésta a la blanca y de allí, a la violeta antes de que nadie se hubiera decidido a detenerlo. Mas entonces el príncipe Próspero, enloquecido por la ira y la vergüenza de su momentánea cobardía, se lanzó a la carrera a través de los seis aposentos, sin que nadie lo siguiera por el mortal terror que a todos paralizaba. Puñal en mano, acercóse impetuosamente hasta llegar a tres o cuatro pasos de la figura, que seguía alejándose, cuando ésta, al alcanzar el extremo del aposento de terciopelo, se volvió de golpe y enfrentó a su perseguidor. Oyóse un agudo grito, mientras el puñal caía resplandeciente sobre la negra alfombra, y el príncipe Próspero se desplomaba muerto. Poseídos por el terrible coraje de la desesperación, numerosas máscaras se lanzaron al aposento negro; pero, al apoderarse del desconocido, cuya alta figura permanecía erecta e inmóvil a la sombra del reloj de ébano, retrocedieron con inexpresable horror al descubrir que el sudario y la máscara cadavérica que con tanta rudeza habían aferrado no contenían ninguna figura tangible.
Y entonces reconocieron la presencia de la Muerte Roja. Había venido como un ladrón en la noche. Y uno por uno cayeron los convidados en las salas de orgía manchadas de sangre y cada uno murió en la desesperada actitud de su caida. Y la vida del reloj de ébano se apagó con la del último de aquellos alegres seres. Y las llamas de los trípodes expiraron. Y las tinieblas, y la corrupción, y la Muerte Roja lo dominaron todo".

"Parisian Thoroughfare", Stephane Grapelli, 1973

El "gipsy jazz" es un estilo que aunque antiquisimo, tiene muchos fanáticos y adeptos en la actualidad. Sin duda su figura máxima fue el mítico gitano Django Reinhardt (1910-1953) , y después, ahí nomás en cuanto a grado de celebridad, el violinista Stephane Grapelli (1908-1997). Nuestro Oscar Aleman también incursionó en este estilo y ahora es común escuchar que fue tan virtuoso como ellos, pero mucho menos conocido. Actualmente hay distintos solistas y grupos que continuan el género en todo el mundo. Incluyendo a David Reinhardt, el nieto de Django.

En nuestro país frecuentemente escuchamos alguna que otra grabación que podríamos caratular también como jazz gitano. En los últimos años por ejemplo, destacamos dos excelentes grabaciones recientes emparentadas con esta música: "Señales de humo"(2007) del excelso vilonista platense Sergio Poli y "Coyazz" (2008) del guitarrista Cheba Massolo.

A pedido de Eufra de Mendoza, y a los efectos de seguir disfrutando de los clásicos de este género, hoy traemos un disco totalmente desconocido (en nuestro país) de gran Stephane Grapelli.

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"Souvenirs", Django Reinhardt, Stephane Grappelli y el Quinteto del Hot Club de Paris, 1934-39

A pedido del público traemos hoy estas grabaciones de Django Reinhardt y Stephane Grappelli junto del famoso Quinteto del Hot Club de Paris (1934-1939). Si bien la edición no es demasiado clara y prolija en cuanto a información, podemos deducir que se trata de una compilación en base a cintas originales, editada en 1988 por el sello Decca, una de las tres discográficas donde este grupo grabó (incluso grabaron un tema que se llama "Stomping at Decca").

También podemos deducir que los músicos que participan aquí son:

Django Reinhardt (Guitarra)
Stephane Grappelli (Violin)
Roger Chapuy (Guitarra)
Euggene Veés (Guitarra)
Louis Vóla (Bajo)
Jack Llewellyn (Guitarra)
Alan Hodgkiss (Guitarra)
Coleridge Goode (Bajo)
Enmanuel Soudieux (Bajo)
Joseph Reinhardt (Guitarra)
Roger Grasset (Bajo)
Add Beryl Davis (Vocal)


Los temas incluidos son:

1.: Honeysuckle Rose
2.: Night And Day
3.: Sweet Georgia Brown
4.: Souvenirs
5.: My Sweet
6.: Liza (All The Clouds'll Roll Away)
7.: Stompin' At Decca
8.: Love's Melody
9.: Daphne
10.: Lambeth Walk
11.: Nuages
12.: HCQ Strut
13.: Man I Love
14.: Improvisation No 2
15.: Undecided
16.: Please Be Kind
17.: Nocturne
18.: I've Got My Love To Keep Me Warm
19.: Louise
20.: Don't Worry 'bout Me

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"No hagan bandera", La tregua, 2005

El año pasado presentamos a Don José, un amigo jubilado que vende discos en una feria de la ciudad. A pesar de un fanático de Django Reinhardt y de Eddie South, y del jazz en general, tambien se hace un lugar en sus oidos para otras expresiones de la música popular. Por eso no nos sorprendió cuando hace un tiempo se descolgó con una recomendación para este extraordinario e inclasificable disco.

La tregua es un grupo de argentinos radicados en Francia formado por Alfonso Pacin (violín), Sebastian Quesada (percusión-voz) y Fulvio Paredes (guitarra-voz) que se dedica a intepretar libremente música basada en ritmos latinoamericanos, incluyendo candombe, milonga, chacarera, gato, tango, vidala y cantos yorugas. El toque de distinción es la calidad con que hacen todo lo que cantan y tocan

El nombre del grupo apunta justamente a buscar una tregua en la tendencia habitual que todos tenemos a categorizar y etiquetar. Ellos lo explican así:


"Porque La Tregua?
Una verdadera tregua en la batalla de todos los días.

La batalla por mantenerse activo en una geografía musical que impone, arrolladora, su ciega estética de mercado. La Tregua es eso y solo eso, una tregua, no se trata aquí de un gesto político, estratégico, desembozado, no es la defensa ni de un origen ni de una intención revolucionaria. No tiene la pretensión fundadora de una resistencia estética, es solo un acto de pura libertad, un soplo de aire fresco, gratuito, inesperado y paradójicamente necesario.

Fácil, por eso también este álbum se llama "no hagan bandera". Estamos quizás cansados de esa obsesión por el símbolo que marca el origen, el signo de una identidad prototípica.

Por una vez, y justamente porque aquí se trata finalmente de "una tregua", el elemento diferencial, la evidencia del origen
(¿se nota que venimos del sur y de otro continente?), no es lo que esta en juego, no hay bandera que denuncie nuestra particularidad".

Los temas del disco son los siguientes:

01. Un recuerdo (Paredes/Pacin)
02. Q.E.K. (Pacin/Paredes)
03.La surera (Pacin)
04.Antes y después (Quezada/Pacin)
05.La Tregua (Pacin)
06.Nocturna (J.Plaza)
07.Orumila por chacarera (Quezada/pacin)
08.Las tías del campo (Pacin)
09.Rumba por la paz (Quezada)
10.La rayuela (De Caro)
11.La puñalada (Castellano/Flores)
12.Gato por liebre (Diaz)
13.0 Km gaucho (Gerloff/Pacin)
14. Según Charly (Pacin)
15.On sén fiche d´la pomme (Pacin)
16.No hagan bandera (Pacin/Paredes)

Bajar aquí http://sharebee.com/525a23ed

Gracias Don José, y ustedes, que lo disfruten.

"Sin permiso", Guillermo Zarba, 1994

Guillermo Zarba es uno de los tantos e interesantes pianistas folklóricos que nos ha dado el litoral argentino, más exactamente la ciudad de Gualeyguachú, Entre Ríos (guarda con esta gente!) . Este bello disco grabado en 1994 en el sello Redondel, -nominado por la Asociación de Cronistas del Espectáculo (Premios ACE) en el rubro “instrumental”- resulta una buena posibilidad para conocerlo, aunque no se trata de un ejemplo de "música típica del Litoral". La razón principal de ello es que, en la mayor parte del disco, los arreglos estuvieron a cargo de Gabriel Senanes, gran compositor y director argentino de música contemporánea, lo que le ha dado a este CD un toque un tanto experimental y complejo que no se condice estrictamente con el estilo habitual del músico. Según dicen, los discos posteriores: "Entrerriano" (1998) y "Apariciones" (2008), además de su participación en "Pianistas argentinos" (2001), significan un regreso a un enfoque más tradicionalista.

Esta es una breve biografía que publica en su sitio oficial:

Pianista y compositor argentino, nacido en Entre Ríos. Estudió piano en el conservatorio Alberto Williams de Concordia, armonía y contrapunto con Guilllermo Graetzer y Gabriel Senanes y piano con Hugo Charpentier, Dante Amicarelli, Adriana de los Santos y Fabiana Galante. La Universidad Nacional de Entre Rios y la Secretaría de Cultura del Estado de Rio Grande do Sul (Brasil) auspiciaron la realización de mesas redondas conducidas e ilustradas por Zarba, teniendo como tema central “la producción cultural latinoamericana y sus antagonismos comerciales”.

En la Capital Federal se ha presentado en los teatros San Martín, Presidente Alvear, de la Campana, del Carmen; Auditorios U.B., SEGBA, Caja Nacional de Ahorro y Seguro, Centro Cultural Borges, Teatro del Globo, Centro Cultural General San Martín, Oliverio Always, Planeta Tango, Biblioteca Nacional, Gandhi, SADEM, La Scala de San Telmo, entre otros. En televisión actuó en ATC (Argentina Televisora Color), en los Canales 9 y 11, y participó como invitado en el ciclo "Ese amigo del alma", junto a Lito Vitale (Canal 13). En el marco del Mercosur realizó presentaciones junto a: Renato Borghetti, Geraldo Flach y Juan Falú, en Buenos Aires, Porto Alegre, Sao Paulo, Florianópolis, Canela y Joao Pessoa. En el interior del país se ha presentado en las ciudades de Córdoba, Rosario, Posadas, Parana, Santa Fe, Coronda, Mendoza y en distintas localidades de la Provincia de Buenos Aires, etc. Participó como Productor e Interprete del “Encuentro de Pianistas” en el Centro Cultural Borges junto a Gerardo Gandini, Hilda Herrera, Jorge Navarro, Oscar Alem, Emilio de la Peña, Leo Masliah, Lilian Saba, Carlos Aguirre, entre otros.

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TEMAS

1. Sin permiso (Zarba)
2.Ecos del boliche (Zarba)
3.Milonga del agua dulce (Zarba)
4.El pretal (Zarba)
5.Coplas del querer ser árbol (Carlos Alvarez-Zarba)
6.Camino del arenal (Millán Medina- Tarrago Ros)
7.Sangre adentro (Zarba)
8. Milonga del Antoñico (Luis Ruiz-Hernan Ruiz)
9.Paso cambiado (Zarba)
10.Espinoso (Zarba)
11.Corazón de curupí (Chacho Muller)
12.Olvido de la rosa (Lima Quintana-Zarba)
13.Kilometro 11 (Cocomarola)
14.Presagiado (Zarba)
15.Crece desde el pie (Zitarrosa)

"Canciones de Buenos Aires", Saloma, 1977

Nos escribió Braulio Silva para pasarnos el link de este disco del grupo Saloma, a la sazón la primera grabación donde participó Alejandro del Prado, de quien hemos hablado varias veces en este blog.

Saloma fue un grupo formado en 1974 y que grabó su único LP en 1977, para separarse un año después. El grupo cultivaba un tipo de "canción urbana" que se intentó desarrollar en el Río de la Plata en aquellos años. Formaron de la movida distintos grupos que en su mayor parte han pasado al olvido; la memoria ahora sólo me trae el recuerdo del trío Atonal, que grabó un vinilo llamado "Plegaria Urbana"(1980) con un espíritu similar al de éste LP . Creo que en algunos aspectos Los que iban cantando, en Montevideo, participaban también de la movida (aunque los uruguayos tenían un estilo más polentón).

Como ese intento de "nueva música de Buenos Aires" quedó trunco y olvidado, es necesario hacer algún esfuerzo para explicarlo hoy a quienes no lo conocieron. En aquel sonido "urbano" era nítida la intención de alcanzar una nueva sintesís musical donde se mezclaran el rock porteño (especialmente de la línea acústica de Sui Generis y de Litto Nebbia) con el nuevo tango de Piazzolla y Buenos Aires Ocho. Para estos grupos eran importantes las arreglos vocales, a tono con los grupos vocales de la época, y se caracterizaban por un clima armónico bastante melanco que hace que, mas allá de la indudable calidad de algunas de sus canciones, en rigor no los extrañemos demasiado. Quizás era el lógico resultado del clima opresivo de la dictadura. Quizás una lectura sesgada del legado de Piazzolla pero, a esta altura del partido, creo que ésta música tenía la consabida "mufa" del tango pero no su fuerza rítmica, ni su vitalidad, ni la calidad de sus compositores y poetas.

Luego Alejandro Del Prado siguió su camino, y más tarde grabaría "Dejo Constancia", "Los locos de Buenos Aires", y recientemente "Yo vengo de otro siglo", discos más maduros y muy recomendables.


Integraban Saloma: Cristina Ghione (Voz y Flauta traversa), Alejandro del Prado (Voz, guitarra, piano, sintetizadores, percusión y batería), Hugo Romero (Voz y Guitarras) y Jorge Santiago (Bajo, sintetizador y voz).

Temas

1) Salud a la Cofradía
2) Maquinaria
3) Qué haré con éste corazón?
4) Chau ventarrón
5) Canción de ese corazón
6) La casa del vecino
7) Carta... Buenos Aires 15 de noviembre
8) La tarde giraba como un barco
9) A 27 nudos
10) Soneto a mamá

Para bajar este disco, hagan click acá:

http://rapidshare.com/files/36632839/Saloma_-_1977_-_Canciones_De_Buenos_Aires.rar

Eddie South, El Angel Negro del Violín, grabaciones de 1937-41

Eddie South (Missouri, 1904 -1962) fue un gran violinista de jazz afroamericano, al que no por nada llamaban el Angel Negro del Violín. Cuentan que en sus principios se interesó por la música clásica, pero dadas las escasas oportunidades que ese género ofrecía a los negros en aquel gran país, campeón de las libertades individuales, prefirió apuntar su vocación hacia el jazz, donde era admitido sin tantos problemas. Pero aquella primera vocación de Eddie iba a acompañarlo toda la vida y, más tarde, cuando las circunstancias lo permitieron volvió a su idea original.

En una visita a Europa en los años 30, tocó y grabó con el guitarrista Django Reinhardt y el violinista Stéphane Grappelli, los iniciadores del jazz europeo. Del encuentro entre esos monstruos surgieron varias gemas de las cuales destacamos especialmente la interpretación del primer movimiento del concierto de Re Menor de Juan Sebastian Bach, lo que constituye de hecho la primera aproximación registrada entre la música clásica y el jazz. Estos son los auténticos origenes de la fusión.

La particularidad de esta interpretación es que, de acuerdo al arreglo de Graphelli, el pequeño ensamble interpretaba con ritmo de swing una transcripción textual de la partitura de Bach. Es una auténtica belleza, asi que espero que la escuchen y no se la pierdan.

PD:el archivo zippeado se incluye más información sobre las grabaciones.

Temas

01.Fiddle Blues Grappelli, Reinhardt 2:46
02.Interpretation Swing du Premier Mouvement du Concerto en Re Mineur ... Bach, Bach 3:22
03.Honeysuckle Rose Razaf, Waller 3:05
04.On the Sunny Side of the Street Fields, McHugh 3:02
05.Black Gypsy South 2:27
06.Fiddleditty South 2:44
07.A Pretty Girl Is Like a Melody Berlin 2:59
08.Hejre Kati Czardas, Hubay 2:25
09.Pardon, Madame! Abraham, Beda, Graham ... 2:42
10.Zigeuner Coward 2:34
11.Praeludium and Allegro Kreislern 2:23
12.Melodie in A Dawes 2:38
13.Para Vigo Me Voy Lecuona, Luban, Stillman 2:37
14.A La Cumparsita (The Masked One) Matos, Paul, Rodriguez 2:45
15.Sighs and Tears Carter, David 3:12
16.I’m Out of Style Carter, David 3:10
17.These Things You Left Me Dickinson, Lippman 3:02
18.You Danced With Dynamite Burke, VanHeusen 2:33
19.Oh, Lady Be Good Gershwin, Gershwin 3:19
20.Stompin at the Savoy Goodman, Razaf, Sampson, Webb 3:13

Buster Bailey Clarinet
Charlie Shavers Trumpet
David Martin Piano

Django Reinhardt Guitar

Doles Dickens Bass

Eddie Gibbs Guitar

Eddie South Orchestra, Main Performer, Director, Ensemble, Violin

Ernest “Bass” Hill Bass

Eugene Fields Guitar

Ginny Simms Vocals

Gordon “Specs” Powell Drums

Paul Cordonnier Bass

Russell Procope Sax (Alto)

Stephane Grappelli Violin

The Glee Club Vocals

Tommy Benford Drums

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"Canción de muchacho", Eduardo Darnauchans, 1972

Nos decia hace poco un amigo montevideano que nos escribió al blog respecto a Eduardo Darnauchans: "El mejor disco para mi es el primero... nostálgico yo?.. jeje, "canción de muchacho" lo grabó cuando tenía 18 años, todos los temas del disco son joyitas, no lo tengo más, lo regalé.. ".

Antes tambien habiamos posteado un comentario de Fabian Casas que decía: "Darnauchans tiene la tristeza de Nick Drake y una lírica superior, extraña. En el cassette que tengo (y que presto para escuchar) hay una versión de un poema de Borges, "Milonga de Manuel Flores", que es memorable, ya que siempre me pareció que al musicalizar los poemas de Borges, muchos autores forzaban la melodía para que los versos encajaran. Acá parecen escritos por el Darno (ahora en confianza)".

Bueno, el cassete del que hablan ambos es el mismo. Este que traemos hoy al blog: "Canción de muchacho", grabado en 1972. Si quieren sacarse la curiosidad que generan comentarios tan positivos, aquí tienen los vínculos:

Temas:

1 Milonga de Manuel Flores
2 Canción de muchacho
3 Nadie
4 Alicia maravilla
5 Canción 2 de San Gregorio
6 Canción por la España obrera
7 Baladetta
8 Niñez de luz
9 Corazón coraza
10 Para que no pienses
11 Canción para nosotros
12 En la noche
13 Miente
14 Los ojos
15 Canción de trasnoche.

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"Luz Neón", Leny Andrade, 1989

Leny Andrade es una cantante de jazz brasileña, que comenzó su carrera como "crooner". Esto es todo una curiosidad, dado que se suele denominar así a los cantantes masculinos de voz grave que interpretan ciertas baladas acompañados por una orquesta. Leny posee un registro tan grave que no tuvo problemas de iniciarse en ese género, cuyos estereotipos son gente como Nat King Cole o Frank Sinatra.

Con el tiempo se convirtió en una de las más grandes cantantes brasileñas de jazz de todos los tiempos, lo que no le impidió abordar el género desde una mirada muy local. En este sentido se destacan sus interpretaciones de Cartola o Nelson Cavaquinho, así como también las del tan transitado repertorio de Tom Jobim. En este sentido, "Luz Neón" grabado en 2009 incluye "Wave", -por otro lado, unas de mis canciones favoritas de Jobim-, que ella interpreta con su voz tan particular. Que lo disfruten.

Temas

1 Pelo cansaço (Fátima Guedes)
2 É (Gonzaguinha)
3 Adeus América (Geraldo Jacques - Haroldo Barbosa)
4 Wave (Tom Jobim)
5 Batida diferente (Maurício Einhorn - Durval Ferreira)
6 Saigon (Cláudio Cartier - Paulo César Feital)
7 Aquário (Aldir Blanc - Moacyr Luz)
8 Night in Tunísia (Dizzy Gillespie)
9 Pra machucar meu coração (Ary Barroso)- Recordar é viver (Jesus Azevedo Marques)
- A fonte secou (Monsueto-Tufic Lauar-Marcléo)


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El blog de Diego Fischerman

Hace poco Diego Fischerman, uno de los críticos musicales más importantes del país, y sin duda nuestro preferido inició Cuentos del Pescador, su blog personal. Nos enteramos de ello porque el maestro tuvo la grandeza de linkear su página con la nuestra y nuestro contador de visitas de inmediato nos informó la novedad.

El blog es una verdadera colección de sutilezas, de críticas de música y también de ligeros y acertados retratos de la realidad. Entre otras cosas destacamos un interesante comentario sobre las bellas y apócrifas reediciones recientes de la obra de Anibal Troilo y textos imperdibles sobre el gran Ornette Coleman, que nos visitó recientemente, sobre Chet Baker y sobre el clásico "Ah Um" de Charles Mingus.

En cambio todavía no colgó de la página la semblanza que hizo de Nono Belvis. Para leerla hay que ir a este sitio: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-14073-2009-06-02.html

No se lo pierdan.

Nono Belvis

Imagen: el Nono y su guitarra, con los integrantes de El Umbral.

Leo en Clarín de hoy: "Murió el guitarrista Nono Belvis. Co-fundador de Músicos Independientes Asociados en los '70, luego se dedicó al free jazz con El Umbral."

El Nono no era un tipo demasiado conocido. Y muchos menos reconocido. Había sido uno de los integrantes del grupo M.I.A., aquel del sello Ciclo 3, del que tanto hemos hablado por acá. Pero poco es lo que se conoce de él.

Leemos en la nota que firma Eduardo Slusarczuk, que se había casado con Liliana Vitale, es decir, era el cuñado de Lito. No lo sabíamos. Tampoco que había formado parte de un grupo llamado "La Sonora del Plata" con Gillespie y Mex Urtizberea.

Dice Lito Vitale: "Nono era el que iba a investigar a Parque Rivadavia y después aparecía con discos increíbles. Fue el quién me metió en mi vida Abbey Road, Egberto Gismonti, Miles Davis, Rickie Lee Jones, Jaime Roos. Un gran escuchador de distintos géneros". No nos sorprende. Por la música que hizo sabíamos de sobra de la amplitud de sus gustos.

Si bien los discos de MIA son bastante conocidos, recién ahora pudimos empezar a disfrutar lo que hizo con otras formaciones . Y es que joyas cómo "que están celebrando los hombres" requieren años de maduración. Y para acceder a la hipnótica música de El Umbral se necesita mucha suerte, y eso sólo para encontrar sus discos.

Por todo eso, escuchar su música es una extraña mezcla de nostalgia -el Nono era uno de los tantos héroes de nuestra adolescencia- con descubrimiento (sus trabajos post-MIA son realmente fascinantes y sorprendentes). Por eso nos duele más. Se va un viejo amigo que aún no habíamos terminado de conocer, y del que todavía estamos en la etapa del deslumbramiento.

En fin, vamos a sentir tu ausencia Nono. Hasta siempre.

"Jardines humanos", Francesca Ancarola, 2003

Francesca Ancarola es una cantante chilena que actualmente constituye una de las principales voces de América Latina. Este es su tercer disco, grabado en 2003, con la compañía de nuestro conocido Carlos Aguirre en la composición, arreglos e interpretación de diferentes temas.

El estilo que aborda Francesca ha sido bastante ecléctico, aunque su fuerte personalidad elimina cualquier rasgo de ambiguedad o indefinición musical. Si antes habia apuntado en el folklore o el jazz, en este disco apunta a una fusión entre la música latinoamericana, la española y la argentina, en particular.

Agradecemos a Quique Pessoa, que hace algunos meses programó en su programa serrano alguno de estos temas, y nos permitió conocer a esta interesante intérprete.

Temas

01.- Espantamales (F. Ancarola-Morris).
02.- Quedará (F. Ancarola)
03.- Peces de Luz (Carlos Aguirre)
04.- En la Via (Carlos Aguirre)
05.- Solita el Alma (Antonio Restucci)
06.- El Peumo (Antonio Restucci)
07.- Primera Luz (F.Ancarola)
08.-Barca de Amores (Violeta Parra)
09.- En tu Piel (F. Ancarola)
10.- Banderita rota (F. Ancarola)
11.- Como la Cigarra (M.E. Walsh)

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Dino

Dino, es decir Gastón Ciarlo, es el autor de "Milonga del pelo largo", aquella hermosísima canción que cantaba Alfredo Zitarrosa. Con estos datos ya justificamos de por sí este post. Cuando profundizamos sobre la figura de este cantautor nos enteramos, con alguna sorpresa por cierto, que su trayectoria no pertenece estrictamente al folklore uruguayo sino que Dino viene más bien del palo del rock de ese país.

Se trata de un prócer, uno de los pioneros de la música "beat" en castellano. De hecho, la milonga que mencionamos fue grabada originalmente en 1972 por parte de su grupo Montevideo Blues, grupo éste que formó luego de la separación de Los Gatos, casi contemporáneo con el grupo de Litto Nebbia llamado de la misma manera.

Como le pasó a muchos miembros del canto popular uruguayo, Dino se sintió desvalorizado ("tenía bronca, porque te invitaban a tocar acá y allá por los ideales o qué se yo, pero no te pagaban. La verdad que parecía que te tomaban el pelo”), y dejó la música. Se fue del país y abandonó la guitarra. Al volver se encontró que no había trabajo para él en Montevideo y debió emplearse en un molino en el interior del paísito. Eso hasta que las nuevas generaciones empezaron a cantar sus temas y a pedir su regreso. Desde entonces Dino ha vuelto a la música, y en ese camino, visitó por primera vez Buenos Aires en 2002.

El disco que traemos hoy contiene una antología de su obra y reúne una serie de canciones bastante inclasificables, donde se mezcla la influencia de songwriters americanos como Bob Dylan, Roy Orbison o Crosby, Still & Nash con el aire campero de las milongas de Zitarrosa. En fin, escuchar a Dino por primera vez, es una experiencia que -tal vez- valga la pena, amigos. Ustedes verán.

Temas:

1. Vientos del Sur (Dino)
2.Noche de lluvia (Dino)
3. Solo creo en ti (Dino)
4. Estandar (Dino)
5. Tu y yo (Dino)
6. Una tarde tranquila (Dino)
7.Mi ciudad (Dino)
8.Pasa el tiempo (Dino)
9. Hoy quiero cantarle al vino (Dino)
10. Baguala del inmigrante (Dino)
11. Momentos (Dino)
12. Cruzar el río (Dino)
13. Soplando en el viento (Bob Dylan)

Bajar acá: http://sharebee.com/e9c456d9

"Metropolis", Daniel Golberg y Pino Marrone,1983

Este disco es una rara avis en la historia de la música argentina. Producto de las zapadas acústicas de dos guitarristas locales radicados en Los Angeles, ésta grabación hoy puede ser oída cómo una expresión cultural de la colonia argentina en California a fines de los años setenta y que incluía gente como Gustavo Santaolalla (que toca aquí también) y Gabriela Molinari, entre otras notorias personalidades.

Pino Marrone, también parte de los notables de aquella comunidad, había sido líder de Crucis, una banda argentina de rock progresivo que -con la producción de Charly García- gozó de mucha popularidad en los setenta. Daniel Golberg, por su parte, ya había producido a Serú Girán -en la época de "Seminare"- pero trascendió años después cuando se convirtió en productor e ideólogo de un disco muy exitoso de León Gieco: "Mensajes del alma".

En "Metrópolis", estos argies perdidos en USA grabaron una serie de temas que denotan una fuerte influencia del género predominante entonces, la fusión, en especial de gente cómo el grupo Oregón, de Pat Metheny y John Abercrombie. También es probable que haya influido en la idea de hacer un disco instrumental de guitarras de este estilo, el entonces reciente megaéxito de "Viernes a la noche en San Francisco", de Paco de Lucía, John Mc Laughlin y Al Di Meola (1980).

En la línea experimental que caracterizaba las grabaciones de Ciclo 3, el sello de Lito Vitale, el disco tuvo una módica repercusión en nuestro país y, tal como era de esperar, no cambió la historia de nuestra música ni engendró una corriente de discípulos. Hoy puede ser visto como un ejemplo de "fusión tardía", o como un canto de cisne -no exento de cierta melancolía- de un género y de un tiempo musical que, para bien o para mal, se estaba yendo (para no volver).

Aprochecho la oportunidad para agradecer al pelado del Centro Cultural del Disco de Bariloche, entonces en la galería Arrayanes, que me recomendó este disco y todas las grabaciones de Ciclo 3, hace apenas 26 años atrás.

Músicos invitados: Alphonso Johnson, Joe Farrell, Abraham Laboriel, Paulino Da Costa, Casey Scheurreell, Gustavo Santaollalla y Larry Klimas.

Temas:

1- La Habanera
2- Camino de los siete lagos
3- Orquesta luna
4- Metropolis
5- Desde el tren
6- 517
7- Sin noticias
8- El mensaje grabado
9- Elis

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Cosa de negros

Nucita nos envia esta invitación a un festival de la negritud en Argentina, ha desarrollarse en el Bauen el próximo fin de semana. Aqui van los datos:

Argentina Negra

Sábado 30 de Mayo 18 hs
Auditorio Bauen, Callao 360, CABA

17 hs Feria de stands de instrumentos musicales, artesanías africanas y organizaciones sociales afro
18 hs La Familia (Candombe argentino)
19 hs Movimiento Afrocultural (Capoeira y Cantos Afrobrasileros)
20 hs Afrique Sembé (Música y danza tradicional de Guinea)
21.15 hs Presentación del Proyecto “Apoyo a la población afro-argentina y sus organizaciones de base”
21.30 hs Negros de Miércoles (Música, poesía y décimas del folclore afroperuano)
23 hs Cuerda de Candombe afrorioplatense (Movimiento Afrocultural)

Entrada gratuita con capacidad limitada, reservar entradas dejando tu nombre y apellido a scaboverdeana@yahoo.com.ar o al 5291-2533 / Toda la información en www.proyectoafro.blogspot.com

"Modern Sounds in Country and Western Music", Ray Charles, 1962

Hace poco volvimos a ver "Ray"(2004), la extraordinaria película sobre la vida y obra de Ray Charles, uno de los mas grandes cantantes de blues, jazz, gospel, soul, y -en este disco country & western music- de la historia. Por si hacía falta, hace poco la Rolling Stone argentina lo confirmó poniendo al gran Genius -como se lo llamaba en los 60- en un destacado lugar en una lista de los 100 más grandes de todos los tiempos.

Este disco, uno de los más importantes de su carrera, fue considerado un rareza total en su época, dado que no era habitual que un músico de origen afroamericano asumiera como propio - y con tanta naturalidad!- un repertorio eminentemente blanco, tal como lo es, el de la llamada música country americana. Por supuesto, el disgusto de los WASP con este morochito que se les animaba a algo tan fundante de la nacionalidad yanqui como la música de los vaqueros no fue menor.

Ahora tantos años después y vencida la resistencia de los reaccionarios, ésta obra es objeto de culto de propios y extraños. Se destaca en ella, además de la ductilidad y virtuosismo del cantante, un repertorio de calidad y por último, aunque no de menor importancia, arreglos de aquella época que pueden ser escuchado con mucho agrado en la actual.

Resumen: Sin duda un disco excelente. Su búsqueda nos llevó varios años. Además un grande como Ray no podía estar fuera de la Pata Maldita.

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"Zabumbê-Bum-Á", Hermeto Pascoal, 1976

Ya que estamos hablando de fusión no podemos olvidar al gran Hermeto Pascoal. Aunque hace años que se edita muy poco en Argentina de todo lo que este duende albino inventa, sigue teniendo gran cantidad de fans en nuestro país. Cada recital que da, algo que se ha dado con bastante regularidad en los últimos años, son verdaderas fiestas del reencuentro entre el pequeño profeta y sus seguidores locales. La cosa es tal, que hasta tiene su propia banda argentina de covers.

Pero por supuesto que, más allá su valor como músico, Hermeto es un gran personaje. De él se cuenta anécdotas gloriosas, como aquella que dice que cuando le preguntaron a Miles Davis si en otra reencarnación le gustaría ser músico, el contestó: "sería Hermeto Pascoal".

En Argentina también tiene sus historias. Mi preferida es aquella que cuentan sucedió en un recital en la calle Corrientes; dicen que estaba tan enganchado ese día que, al finalizar el recital, siguió agregando bises hasta sobrepasar el tiempo acordado con los administradores del teatro. En un momento esta buena gente irrumpió sobre el escenario para avisarle que el recital debía concluir en ese mismo instante, dado que en salas vecinas estaban por empezar otras funciones. Hermeto, sin inmutarse, tomó su flauta traversa y pidió a la gente que lo acompañase. El recital siguió en la calle.

Este disco de 1976, pocos años después de haber dejado la banda de Miles Davis, lo muestra sumado a la marea del jazz-fusión, ya con su característico multi-intrumentismo y sus excentricidades musicales.



















Temas

1. São Jorge (Pascoal) - 2:36
2. Rede (Pascoal) - 6:28
3. Pimenteira (Pascoal) - 6:29
4. Suíte Paulistana (Pascoal) - 5:27
5. Santo Antonio (Pascoal) - 4:08
6. Alexandre, Marcelo E Pablo (Pascoal) - 5:12
7. Suite Norte, Sul, Leste, Oeste (Pascoal) - 3:52
8. Susto (Pascoal) - 3:02
9. Mestre Mará (Pascoal) - 4:28

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Alfombra Mágica, 1989

La fusión, de la que venimos hablando esta semana, se caracterizó por tener muchos adeptos entre los músicos, -profesores, estudiantes e iniciados- pero, en cambio, poca repercusión entre el resto de la gente . Esto genera la particularidad de que algunos grupos, como Alfombra Mágica, se hayan convertido, a su manera, en una leyenda sólo conocida por una pequeña e irreductible minoría.

Sus músicos, Quique Sinesi, Matías Gonzalez y Horacio López tienen un prestigio que supera ampliamente a esta agrupación. De hecho, brillaron en múltiples grabaciones, entre ellas algunas acompañando al gran Dino Saluzzi. El nivel de su virtuosismo convirtió al grupo en una especie de Weather Report criollo. Porque si bien Patricio Villarejo nos cuenta de la familiaridad que existía entre Alfombra y Convergencia en los 80 y primeros años de los 90, debemos decir que en ésta grabación, la música de los Alfombra se muestra mucho más cercana a las formas del jazz rock americano que la de Convergencia, grupo donde la influencia latinoamericana pegó más hondo.

Lo mejor de este disco son temas como "La suspendida" o "Pequeño y primitivo", donde el grupo parece flotar en sonidos lejanos y tribales, en un viaje que nos trae un vago recuerdo al viejo grupo Oregon, aquel de Ralph Towner y el malogrado Collin Walcott.

Resumen: un disco de jazz-fusión como los de antes, para disfrutar este fin de semana.

Temas

1. Diferentes caminos
2. Pequeño y primitivo
3. Ciudad azul
4. Cecilia y Tomás
5. La suspendida
6. Tema para Lidia
7. Carneval hermetico
8. Contra marea
9. El viejo malandra
10. Que encuentre
11. Tip Tap

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"Resumen al día", Convergencia, 1991.

Hace un tiempo nos escribió Patricio Villarejo, un amigo que habitualmente visita el blog. Y nos envió los vínculos de una grabación del año 1991 de la banda Convergencia, de la cual formó parte. Como un blog amigo también subió el mismo disco por aquel tiempo, retrasamos su edición hasta el día de hoy- aprovechando que empezamos a hablar de la fusión- y lo ponemos a disposición de todos los patanautas.

Dice Patricio:
"Hola...vengo siguiendo el blog hace un rato, y viendo como postean los mismos discos que tengo en mi discoteca de vinilo...
Yo tambien tengo todos los de ciclo 3, pero los compre directamente (no en disqueria) porque era miembro del mitico fichero del grupo MIA. Estaba en el secundario, y veia tocar a Lito Vitale, que tenia casi mi misma edad, y decia "yo tambien quiero!". Con el tiempo, me decidi, estudie el cello, me alento a ser profesional el hecho de ver al primer Seru Giran con orquesta, y aqui estoy.
Hace muchos años funde un grupo, Convergencia, para el cual compuse montones de temas, y que reflejaban mis gustos e influencias: Alejandro Santos (candombe del Parque Chacabuco), Anacrusa, Hermeto Pascoal, Jehtro Tull, Genesis, Gismonti, etc.
Con el tiempo me di el gusto hasta de grabar con Alejandro Santos (en el ultimo cd) y tocar con Anacrusa (pelicula Cruz de Sal y en vivo en Lujan) Y me di muchisimos otros gustos, como tocar con Pedro Aznar en un monton de discos y en vivo en gira...Actualmente estoy grabando mi segundo cd solista en Melopea (incluye de invitados a Aznar, Rodolfo Garcia, Emilio del Guercio, Alejandro Santos y a Litto Nebbia, junto al cual compuse dos temas para la ocasion), y presentandome con varios proyectos propios y de otra gente pero muy buenos. Esto luego de mas de 10 años de vivir entre USA y Europa y Asia, tocando tangos. Decidi que era hora de volver a mi musica, y aqui esta.
Entre mis proyectos esta volver a reecitar Convergencia en cd, pero con mas temas, para lo cual reuni a la vieja formacion y se hara este año. Pero me gustaria que mas gente lo conozca, aunque el sonido de este viejo vinilo no le hace justicia....sonaba mejor en vivo, bajo el ombu de la plaza Dorrego todos los Domingos...
Ojala te guste postearlo.
Disfruto muchisimo de la musica de tu blog!
Patricio"

Convergencia fue un grupo nacido en 1985, que compartia el estilo de fusion folklorica junto a Alfombra Magica y otros grupos mas ciudadanos como Apertura. El grupo se formó a mediados de 1985, siendo netamente instrumental y con mayoría de temas originales, al igual que sus arreglos.

Su música abarca distintas corrientes del género popular argentino: proyección folklórica, ciudadana, y un importante aporte armónico y rítimico proveniente del jazz.Sus comienzos fueron en "Bar Latino" de la ciudad de Buenos Aires, los domingos en la plaza Dorrego de San Telmo, barrio turístico de la misma ciudad.Fueron contratados por la secretaría de cultura de la MCBA, tocando en la plaza "Roberto Arlt" dentro de diversos ciclos, Asociación Bancaria, Centro de divulgación musical del Centro Cultural General San Martín.

En 1986 resultan ganadores del programa "Todo Nuevo" de Juan Alberto Badía, obteniendo como premio un contrato para actuar en canal 13 por tres meses.Posteriormente se integra a la formación un cantante, con lo cual se amplía el estilo.En 1991 registran su primer y único disco hasta el momento, "Resumen al día" editado por Melopea.

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Ya se estan juntando los integrantes originales y hay planes de reeditar su cd a fin de año (2009) junto a temas ineditos y algunos grabados actualmente.

Integrantes:

Ruben Altschuler (luego Diego Suárez) -flauta

Gustavo Hunt -clarinete

Patricio Villarejo -violonchelo, composición y arreglos

Osvaldo Rabuñal (guitarra hasta 1989)

Lisandro "Loli" Lucero -guitarra y voz

Horacio Fortunato -bajo eléctrico

Jurge Ré -batería y bombo leguero.

Resumen al día, Convergencia, año 1991.

1- {Memoria del cóndor} (Patricio Villarejo)
2- {Barro y escarcha} (Patricio Villarejo)
3- {Pueblo río} (Loly Lucero -arr. P. Villarejo)
4- {Aquel tiempo de mi infancia} (Cuti Carabajal- Trullenque arr. P. Villarejo)
5- {Gato maula }(Patricio Villarejo -invitado: Fats Fernández en trompeta)
6- {Resumen al día} (Loly Lucero -arr. Gustavo Hunt)
7- {Perro verde} (G. Hunt)
8- {Sin rumbos} (Patricio Villarejo)
9- {Canción de cuna} (Patricio Villarejo)*

"A otro lugar", Mantega/Mielgo/Condomí, 2005

La "fusión" -como género musical- tuvo su momento de gloria a fines de los setenta y comienzos de los 80. Surgió probablemente como consecuencia de las investigaciones de Miles Davis en torno al cruce entre el jazz y otros ritmos ("Bitches Brew"), que continuaron luego sus discípulos (Chick Corea, Herbie Hancock, Zawinul, entre otros) dando nacimiento al jazz-rock y enseguida en los que se denominó justamente así, fusión. A los que no vivieron aquellos locos y raros días le contamos que el género llegó a ser relativamente popular, y no era extraño ver en 1980 una tapa de Pelo o Expreso Imaginario con cualquiera de aquellos nenes en la tapa.

Una nota de color que pinta el momento: a principios de los ochenta Spinetta compuso un tema para el segundo disco de su banda de entonces, Jade, que se llamó "Siguiendo los pasos del maestro". Cualquier desavisado que conociera la trayectoria de LAS habría pensado que el maestro del flaco era John Lennon (por su obvia influencia sobre Almendra) o quizás Jimmy Page (por la ascendencia de Led Zeppelin sobre Pescado Rabioso). Error. El maestro al que declaraba su admiración el querido Luis Alberto era John Mc Laughlin. Curioso, verdad?

Cuando las aguas del jazz rock bajaron, y la denominación "fusión" quedó reservada para un grupo de californianos fanáticos y ortodoxos -que siguieron aburriéndonos por décadas con discos hiperprevisibles (Spyro Gyra, Yellowjackets)-, en nuestro país quedó una semilla que creció y fructificó de diferentes maneras.

En este blog hemos dado testimonio del fenómeno, cuando hablamos de Dino Saluzzi, Anacrusa, Membrillar, Alejandro Santos, la gente de MIA y Ciclo 3 y hasta abrimos una solapa para refenciarlo. El sabor local de la fusión tiene gusto a ritmos latinoamericanos, a folklore del norte cruzado a veces con el jazz, a veces con la música clásica. A diferencia de la fusión norteamericana, la nuestra sigue mostrando signos de vitalidad y este grupo es un excelente ejemplo de ello.

Es más, el trío Mantega- Mielgo-Condomí es uno de los más interesantes de la actual escena de la música popular argentina. Hoy Quique Pessoa nos hizo recordar este hermoso cd, al programar "Padre del Carnaval", en su programa radial dominical desde San Marcos Sierra.

El conjunto está formado por Ezequiel Mantega, del que hablamos cuando mencionamos una reciente producción de su dúo con Paulina Fain, a cargo del piano; Samy Mielgo, que nos visita habitualmente y del que recomendamos su importantisimo blog de partituras folklóricas, de la guitarra, y Quique Condomí en el violín.

Este disco es la continuación de "Pequeñas Alegrías", grabado en 2002 con Lilian Saba en piano con el que comparte igual espiritu y calidad. En resumen, una verdadera delicia.

Temas

1. Cueca del violín (F. Matos - H. Quiroga Mora)
2. Silbando por el camino (Q. Condomí)
3. Viste de mi (E. Mantega)
4. Cuánto ha quedado atrás (V. Condomí)
5. A otro lugar (S. Mielgo)
6. La nochera (E. Cabezas – J. Dávalos)/ Zamba de mi pago (Hnos. Abalos)
7. Basta de fingir (S. Mielgo)
8. El indeciso (Q. Condomí)
9. Milagrera del asombro (R. Navarro (h) – Hamlet L. Quintana)
10. A lo lejos (E. Mantega)
11. Solcito de la tarde (Q.Condomí)
12. Padre del carnaval (C. Isella – H. Guaraní)

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"Fados", Música de la película de Carlos Saura, 2007

Este es un cd que estamos escuchando actualmente por recomendación de la gente de Mendoza que lee este blog. Se trata de la música de "Fados", la última película del gran director español Carlos Saura, aquel de "Cría Cuervos", "Bodas de Sangre", "Carmen", "Flamenco", "Ay Carmela", "Sevillanas", y tantas otros clásicos.

Como se ve rapidamente, hay nombres muy conocidos entre los intérpretes: Chico Buarque, Caetano Veloso, LiliaDowns, etc. Suficiente como para probar escucharlo, no?.

Dado que no está editado en Argentina, la difundimos a través del blog. Buen fin de semana.

Lista de temas:

1. Fado da saudade - Carlos Do Carmo
2. Kola San Jon - Kola San Jon
3. Variaçöes em lá - Ricardo Rocha
4. Transparente -Mariza
5. Menina você que tem - Toni Garrido
6. Quedras - Camané
7. Fado da severa - Catarina Moura
8. Rua do capelâo - Cuca Roseta
9. Marceneiro - NBC
10. Un homem na cidade - Carlos Do Carmo
11. Foi na travessa da palha - Lila Downs
12. Vida vivida - Argentina Santos
13. Fado batido - Brigada Victor Jara
14. Flor di nha esperança - Lura
15. Sopra demais o vento - Camané
16. Estranha forma de vida - Caetano Veloso
17. Fado tropical - Chico Buarque
18. Meu fado meu - Mariza / Miguel Poveda
19. Casa de fados - Vicente de Cámara
20. Ó gente da minha terra - Mariza

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"Una sola vida tengo", Cecilia Todd

Por esta cuestión de que el tiempo pasa y el público se renueva existe hoy muy poca gente que sepa quién es Cecilia Todd. Parece increible pero es así. Eso nos obliga a asumir un espíritu docente y subir un gran CD de la gran cantante venezolana para conocimiento y disfrute de las nuevas generaciones.

Para más detalles, este es un disco que siempre considero cuando armo una lista imaginaria de "los diez mejores" de mi discoteca. Aquí se combina un repertorio popular de una calidad inusual, como lo es el de la música rural venezolana, y una cantante con una gran técnica vocal y -sobre todo- una sensibilidad extrema.

Quizás Hilda Breer, desde Alemania (bienvenida Hilda al grupo de seguidores!!) o Marina desde Mendoza, puedan ampliar lo que Cecilia Todd significa para el canto latinoamericano. Yo me limito a dejarles este disco para solaz de todos los seguidores.

Temas

1- Pajarillo Verde (Recop: José del Pilar Rivera)
2- Maldición (D.R.)
3- Bambuco (Folklore)
4- Mi Niño No Me Quiere (Aldemaro Romero)
5- Pasaje Del Olvido (Simón Díaz)
6- Constancia De Un Pescador (Pedro Palmar)
7- Los Amores de Cabré (Enrique Hidalgo)
8- Polo de Lo Que Quiero (Folklore)
9- Ah Malhaya Un Trotecito! (Alberto Torrealba/Guillermo Jiménez)
10- Oración Ratona (Conny Méndez)
11- El Novio Pollero (D.R.)
12- Malagueña (Folklore)
13- El Cunavichero (Folklore)
14- La Embarazada del Viento (Constantino Ramones)
15- El Norte Es Una Quimera (Luis Fragachán)
16- Garcita (Simón Díaz)
17- Aguinaldo Serrano (Folklore)
18- Caramba (Otilio Galíndez)
19- Acidito (Adelys Freites)
20- El Venao (Pío Alvarado)
21- Pregón de Navidad (Henry Martínez)

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